martes, 12 de enero de 2010

Metopa nº 27 del Partenón



Obra: Metopa 27 del Partenón
Autor: Entorno de Fidias
Fecha: Segunda mitad del siglo V a.C.
Estilo: Griego; periodo clásico
Material: Mármol policromado

Fidias estaba a cargo del programa iconográfico del Partenón; fue un encargo de su amigo Pericles, máximo dirigente de la democrática Atenas. A pesar de que no puede descubrirse su mano en todas las esculturas que han llegado hasta nosotros, el cuidado programa de decoración exigía un único autor, que todos identifican con el escultor Fidias.
En las metopas es más evidente la diversidad de calidad y estilo. Fueron realizadas por un plantel numeroso de escultores. Parece ser que no había posibilidad de aceptar normas estrictas impuestas por Fidias para ser cumplidas a rajatabla, sino que el estudio de la decoración escultórica del Partenón indica que el sistema de trabajo fue siempre el mismo: instrucciones probablemente orales sobre tema y contenido, y ejecución e interpretación libres. Naturalmente, lo único que venía impuesto era el formato.
Para las metopas se utilizaron temas distintos en cada uno de los cuatro lados; en el este la Gigantomaquia, en el oeste la Amazonomaquia, en el norte la destrucción de Troya y en el sur la Centauromaquia.
Casi todas las que han sobrevivido, tras los avatares sufridos, representan batallas de lapitas y centauros.
En esta metopa, la nº 27, se muestra una composición bien lograda y un tratamiento avanzado de la anatomía; el lapita ha capturado al centauro con la mano izquierda. Con las piernas firmes y la respiración contenida extiende hacia atrás el brazo derecho para propinar el golpe final. El manto del lapita cuelga en pliegues de ambos brazos y por detrás de su cuerpo, creando un fondo originalmente pintado de azul contra el que sobresalía. Es un alto relieve con un fondo totalmente liso, en el que predominan los valores plásticos o escultóricos de los dos personajes. No hay paisaje que distraiga de la intensidad del tema. Estas mismas características se observan en otras metopas de las que tienes unos ejemplos más abajo.

Los desperfectos que han sufrido las metopas del Partenón se ven bien en esta imagen del friso. Hay metopas arrancadas y otras estropeadas. Recordamos que a principios del XIX fue despojada de esculturas por Thomas Bruce, 7º conde de Elgin, embajador británico.


Sala del Brithis Museum (Londres) con diversos mármoles del Partenón.

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Fidias estaba a cargo do programa iconográfico do Partenón; foi un encargo do seu amigo Pericles, máximo dirixente da democrática Atenas. A pesar de que non pode descubrirse a súa man en todas as esculturas que chegaron ata nós, o coidado programa de decoración esixía un único autor, que todos identifican co escultor Fidias.
Nas métopas é máis evidente a diversidade de calidade e estilo. Foron realizadas por un cadro de persoal numeroso de escultores. Parece ser que non había posibilidade de aceptar normas estritas impostas por Fidias para ser cumpridas a machada, senón que o estudo da decoración escultórica do Partenón indica que o sistema de traballo foi sempre o mesmo: instrucións probablemente orais sobre tema e contido, e execución e interpretación libres. Naturalmente, o único que viña imposto era o formato.
Para as métopas utilizáronse temas distintos en cada un dos catro lados; no leste a Xigantomaquia, no oeste a Amazonomaquia, no norte a destrución de Troia e no sur a Centauromaquia.
Case todas as que sobreviviron, tras os avatares sufridos, representan batallas de lapitas e centauros.
Nesta métopa, a nº 27, amósase unha composición ben lograda e un tratamento avanzado da anatomía; o lapita capturou o centauro coa man esquerda. Coas pernas firmes e a respiración contida estende cara atrás o brazo dereito para propinar o golpe final. O manto do lapita colga en pregues de ambos os brazos e por detrás do seu corpo, creando un fondo orixinalmente pintado de azul contra o que sobresaía. É un altorrelevo cun fondo totalmente liso, no que predominan os valores plásticos ou escultóricos dos dous personaxes. Non hai paisaxe que distraia da intensidade do tema. 
Os danos das metopas do Partenón queda ben visto nesta imaxe do friso. Hai metopas rasgadas e outras danadas. Lembramos que a principios do século XIX foi desposuída das esculturas de Thomas Bruce, VII conde de Elgin, embaixador británico.



domingo, 10 de enero de 2010

La Veracruz de Maderuelo

Obra: Creación del hombre y escena del pecado
Autor: Maestro de Maderuelo
Fecha: Siglo XII
Estilo: Románico
Técnica: Pintura mural al fresco

La ermita de la Veracruz, en el pueblo segoviano de Maderuelo, presenta todo su interior pintado. Posiblemente fuera una iglesia de los Templarios. En uno de sus frentes, hay dos escenas pintadas sobre un fondo uniforme blanco, separadas por un árbol sumariamente dibujado.
A la izquierda vemos la creación del hombre por parte de Dios también junto a árbol. A la derecha se narra la escena del pecado, cuando, siguiendo literalmente el relato del Génesis, la mujer come del árbol prohibido instigada por la serpiente. En este caso, tanto el hombre como la mujer son ya conscientes de lo que han hecho, pues se cubren con hojas de higuera.
El pintor ha sabido adaptar las escenas al espacio semicircular en que se encuentran. Los desnudos, pese a todos los convencionalismos, revelan la preocupación por reflejar los pormenores anatómicos (músculos, costillas, etc.) mediante un dibujo en sepia que contrasta con los perfiles negros, normales en la pintura románica, de las figuras.
Se ha escogido el momento exacto, siguiendo la ascética cluniacense, que busca provocar el rechazo popular frente al pecado, expuesto a la vista. No hay que olvidar el carácter didáctico y moralizante de la pintura y escultura románcia. Las pinturas han sido arrancadas de su lugar y se encuentran en el Museo del Prado pasadas a lienzo.
 
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Obra: Creación do home e escena do pecado
Autor: Mestre de Maderuelo
Data: Século XII
Estilo: Románico
Técnica: Pintura mural ao fresco


A ermida da Veracruz, na vila segoviana de Maderuelo, presenta todo o seu interior pintado. Posiblemente fose unha igrexa dos Templarios. Nunha das súas frontes, hai dúas escenas pintadas sobre un fondo uniforme branco, separadas por unha árbore sumariamente debuxada.
Á esquerda vemos a creación do home por parte de Deus tamén xunto a árbore. Á dereita nárrase a escena do pecado, cando, seguindo literalmente o relato da Xénese, a muller come da árbore prohibida instigada pola serpe. Neste caso, tanto o home como a muller son xa conscientes do que fixeron, pois se cobren con follas de figueira.
O pintor soubo adaptar as escenas ao espazo semicircular no que se atopan. Os espidos, pese a todos os convencionalismos, revelan a preocupación por reflectir os pormenores anatómicos (músculos, costelas, etc.) mediante un debuxo en sepia que contrasta cos perfís negros, normais na pintura románica, das figuras.
Escolleuse o momento exacto, seguindo a ascética cluniacense, que busca provocar o rexeitamento popular fronte ao pecado, exposto á vista. Non hai que esquecer o carácter didáctico e moralizante da pintura e escultura románica. As pinturas foron arrincadas do seu lugar e atópanse no Museo do Prado pasadas a lenzo.

sábado, 9 de enero de 2010

San Isidoro (León)


Obra: Nave central de San Isidoro (León)
Autor: Anónimo
Fecha: Siglo XII
Estilo: Románico
Técnica: Piedra de sillería

San Isidoro es una iglesia de planta basilical con tres naves. Vemos la nave central, que es más alta que las laterales. Posee seis tramos antes de llegar al crucero.
Tiene pilares compuestos cruciformes con semicolumnas adosadas como elementos de soporte.
Sobre ellos se levantan los arcos formeros que separan la alta nave central de la lateral. Estos arcos son de medio punto peraltados y doblados. Es un antecedente de lo que se hará en la catedral de Santiago de Compostela.
Sobre esos arcos se abren unas ventanas que dan iluminación interior al edificio.
Como elemento sustentado tenemos una bóveda de cañón con arcos fajones que también son doblados. Estos arcos, además de sujetar la bóveda (solución técnica), dividen la bóveda en tramos armoniosos (solución estética). Es, por tanto, un esquema bipartito de construcción: arcada y sobre ella las ventanas.
Esta iglesia ha sufrido modificaciones, como el coro, que ya se aprecia que no es de esta época; se hizo en el siglo XV.

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Obra: Nave central de Santo Isidoro (León)
Autor: Anónimo
Data: Século XII
Estilo: Románico
Técnica: Pedra de cantaría

Santo Isidoro é unha igrexa de planta basilical con tres naves. Vemos a nave central, que é máis alta que as laterais. Posúe seis tramos antes de chegar ao cruceiro.
Ten piares compostos cruciformes con semicolumnas encostadas como elementos de soporte.
Sobre eles levántanse os arcos formeiros que separan a alta nave central da lateral. Estes arcos son de medio punto peraltados e dobrados. É un antecedente do que se fará na catedral de Santiago de Compostela.
Sobre eses arcos ábrense unhas fiestras que dan iluminación interior ao edificio.
Como elemento sustentado temos unha bóveda de canón con arcos faixóns que tamén son dobrados. Estes arcos, ademais de suxeitar a bóveda (solución técnica), dividen a bóveda en tramos harmoniosos (solución estética). É, xa que logo, un esquema bipartito de construción: arcada e sobre ela as fiestras
Esta igrexa sufriu modificacións, como  a do coro, que xa se aprecia que non é desta época; fíxose no século XV.

jueves, 7 de enero de 2010

Catedral de Chartres




Obra: Planta de la Catedral de Chartres
Fecha: Siglo XIII, comienzos
Estilo: Gótico

La planta de la catedral de Chartres es de tipo basilical con forma de cruz latina.
Presenta tres naves separadas por pilares compuestos; la central es más ancha que las laterales. El cuerpo de las naves tiene seis tramos separados por arcos fajones.
Observamos un transepto marcado en planta, y por tanto en alzado, también de tres naves, y con la central más ancha que las laterales. Tiene cuatro arcos torales que marcan el crucero y sobre los que se levanta una bóveda de crucería de gran tamaño.
La cabecera es macrocéfala, es decir, tiene una extensión grande en relación con el conjunto del edificio. Posee doble girola a la que se abren cinco capillas semicirculares, dos de ellas más pequeñas. La capilla mayor tiene otros cuatro tramos.
Está cubierta con bóvedas de crucería cuatripartitas formadas por los dos nervios que se cruzan y por los arcos fajones y formeros que las enmarcan El ábside presenta una cubrición radial de nervios, clásica dentro del gótico.
A los pies presenta las dos torres de planta cuadrada sobre las naves laterales.
Tiene las tres puertas normales en este tipo de construcciones.
Se observan los estribos o contrafuertes sobre los que descargan su empuje los arbotantes que soportan la alta nave central.

miércoles, 6 de enero de 2010

El Bosco: El jardín de las delicias

Obra: Tríptico El jardín de las delicias
Autor: El Bosco
Fecha: Últimas décadas del XV o comienzos del XVI?
Estilo: Gótico flamenco
Técnica: Óleo sobre tabla
 
En el tránsito del XV al XVI se encuentran dos célebres pintores que señalan nuevas conquistas de la pintura flamenca: El Bosco y Joaquín Patinir.
El Bosco
(Jeroen van Aken, 1453-1516) es una de las personalidades más originales de todos los tiempos.
Sus cuadros tuvieron enorme aceptación en España. Felipe II reunió una importante colección de cuadros que se guardan actualmente en el Museo del Prado y El Escorial.
Su temática favorita es la debilidad humana, tan inclinada al engaño y a ceder a las tentaciones. La cultura popular se convierte en una de sus fuentes favoritas de inspiración. Los refranes, los dichos, las costumbres y leyendas, las supersticiones del pueblo le dieron múltiples temas para tratar en sus cuadros. Da a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convierte la escena en un momento delirante, lleno de simbolismos. Sus cuadros están impregnados de un sentido de humor burlesco, a veces cruel, con la sociedad mendaz y estúpida de su época.
En rigor no censura, no es un verdadero moralista, sino un cronista caricaturesco.  Se comporta como un surrealista.
Para entender estos cuadros, lo primero es identificar los temas de sus tablas.

Su obra más ambiciosa es el tríptico El jardín de las delicias, que ha suscitado diversas interpretaciones
. El Bosco presenta tres escenas con un único denominador común: el pecado. Se inicia en el Paraíso (panel izquierdo), con Adán y Eva. El panel central muestra un Paraíso engañoso a los sentidos, un falso Paraíso entregado al pecado de la lujuria. Y como resultado de la actividad humana, se recibe el castigo en el Infierno (panel derecho).
Una vez identificados los temas, es necesario profundizar más en la iconografía de la tabla del Paraíso para poder avanzar en su significado. Y para terminar, habrá que hacer un análisis iconológico de lo que se representa. Esto tiene mayor dificultuad, pues muchos de los símbolos que emplea el Bosco hoy no son fáciles de entender.

Hendrik Mande, escritor místico holandés del XVI escribía a propósito de este cuadro: 
“Aquellos que has visto danzando y jugando en las praderas verdes salpicadas de flores y árboles, son los que aspiran a los placeres de este mundo. Buscan la saciedad de los placeres de la carne y de los sentidos, y se aplican a seguir sus inclinaciones sensuales, Absortos en su frenesí, no saben que Dios existe; no creen más en Dios, ni en el cielo, ni en el infierno: Está escrito: el tonto dice que Dios no existe".

Para conocer algo más sobre el uso del óleo, leer la imagen Políptico de la Adoración del Cordero místico, de Van Eyck.